Estos genios sí que han brillado

Hace unos días comenté dos películas del tirón. Les hablé de Melancolía y de Habemus Papam, dos películas que me decepcionaron bastante viendo de quienes proceden, los grandes Von Trier y Moretti. En esta ocasión tampoco he querido pasar de largo ante dos nuevos estrenos de otros, para mí, dos grandes directores, Polanski y Cronenberg´. Al último ya se le puede incluir en el club de los selectos tras sus tres últimos trabajos (Una historia de violencia, Promesas del este y Un método peligroso). Ya lo adelanto, pero me parecería penoso que alguno de estos dos directores no tuviese alguna nominación, bien ellos o sus películas en los oscar. El caso de Polanski lo veo más complicado por sus problemas con Estados Unidos, pero al canadiense Cronenberg ya es hora de ir dotándole de gran relevancia.

Un dios salvaje (Carnage)

AÑO 2011
DURACIÓN 79 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Roman Polanski
GUIÓN Roman Polanski, Yasmina Reza (Obra: Yasmina Reza)
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Pawel Edelman
REPARTO Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly
PRODUCTORA Coproducción Francia-Polonia-Alemania-España; France 2 Cinema / Versatil Cinema /Constantin Film Produktion / SBS Productions / SPI Poland
WEB OFICIAL http://www.sonyclassics.com/carnage/
PREMIOS 2011: Festival de Venecia: Sección oficial a concurso
GÉNERO Comedia. Drama | Comedia negra

Como en los oscar no estará, y Francia no la va a seleccionar para que la represente, aunque la dotará de nominaciones espero en los César, probablemente, el nuevo trabajo de Roman Polanski (El pianista, El escritor) es de lo mejor que se ha estrenado este año. Como ya decía antes, los grandes han vuelto, y en esta segunda tanda parece que todo ha ido a mejor.

En esta ocasión el director parisino ha adaptado a la gran pantalla la obra teatral de Yasmina Reza de mismo título. La historia narra las disputas entre dos matrimonios a causa de una pelea que han tenido sus hijos a la salida del colegio. Si sólo se quedasen con esto no pensarán todo lo que puede sacarse de esta obra. En un tono de comedia muy muy negra, sin caer en lo absurdo, Polanski define a las personas, a las clases sociales, a los hombres y a las mujeres. A veces de forma muy hábil y sibilina, otras veces es directo, agresivo, duro, salvaje.

La historia está rodada del tirón, como si fuese una obra teatral. La acción transcurre en un solo día y en un sólo lugar, la casa del matrimonio del hijo que resultó herido en la pelea de chiquillos.

Desde el principio todo apunta que aquello va a ir a peor. Sólo hay que ver la primera escena en la que los padres de la víctima están redactando una carta acerca de lo ocurrido y los padres del agresor corrigen una palabra. Desde ese momento comienzan a volar los cuchillos, al principio de forma armónica, sin levantar la voz. Y poco a poco la intensidad se va elevando hasta alcanzar el clímax de máxima tensión donde todos estallan. No sólo se critican una pareja a la otra, sino que se terminan criticando entre ellos, los unos a los otros. Entonces surgen alianzas, los hombres por un lado, las mujeres por otro, pero con la diferencia que ellas no se soportan y acaban solas, cada una con su causa. Los hombres por su parte encontraron la unión en la simpleza ya hartos de lo que estaban soportando y que no veían lógico. Si los chavales se pegan, pues se pegan, pero no hay que hacer un drama, se habla con ellos, se les echa la bronca y que se pidan perdón, pero no hay que sacar las cosas de quicio, como ocurre en Carnage.


Los actores siempre son claves en la historia. Una película es buena si tiene una buena historia y buenos actores que sepan sacar adelante aquello que el director les pide. En esta ocasión se ha juntado todo. Una gran historia, un gran director y cuatro fantásticos actores a cada cual mejor. Por encima del cuarteto protagonista y único destaco a Kate Winslet. Está soberbia. Comedida cuando debe y descontrolada también en el momento adecuado. Me tiene enloquecido. Papel que hace, personaje que borda. ¿Cómo lo hará? Solo los grandes actores pueden hacerlo. En esta ocasión su personaje empieza comedido, tímido, con modales, tratando de guardar apariencias, sobre todo defectos. A medida que su marido, Christoph Waltz, va poniéndose y poniendo más nervioso al auditorio y a los otros tres protagonistas con su teléfono, ella, va cambiando su apariencia hasta acabar saltando. La primera persona que trata de mediar en el asunto termina por romper sus esquemas y violar su código para comportarse verdaderamente como ella, interiormente, desea desde un principio. Cosa que no hacen ni el personaje de Jodie Foster ni de Waltz, los cuales desde el principio no se cortan ni un pelo y se enzarzan en una discusión que desde el comienzo no se la ve fin bueno, bueno, no se le ve fin mejor dicho, pues ninguno se pone de acuerdo. Por el contrario, lo mismo que le pasa al personaje de Winslet le ocurre de forma parecida al de John C.Reilly. Un gran actor muy mal tratado por la academia, pues en muchos casos ha realizado grandes papeles con los que no ha sido reconocido. En esta ocasión su personaje, completamente distinto al de Winslet, pasa por los mismos estadios que el de su compañera. Lo mismo ocurre con los de Waltz y Foster. Parece que las verdaderas parejas debieran formase entre los contrarios, pero tampoco, ni lo uno ni lo otro. A Foster no se la entendería sin Reilly ni a Winslet sin Waltz. Espero que me entiendan, pues es lioso.

Música apenas tiene, no hace falta, el ritmo lo pone la intensidad de los actores con sus diálogos. Pero lo que siempre está en todas las obras de Polanski, y que en esta ocasión tampoco ha faltado es el ambiente de tensión que se respira en todas las películas. Uno desde el primer segundo ya intuye que algo va a pasar, y que por lo general va a ser malo. Por esto y por haberme hecho pasar una hora y veinte minutos atrapado en el sillón del cine riendo sin parar y viendo cómo es el ser humano verdaderamente, gracias Roman.

Lo mejor: Kate Winslet y Roman Polanski haciendo comedia

Lo peor: La escena del vómito (demasiado visual)

Nota: 8.5




Un método peligroso
TÍTULO ORIGINAL A Dangerous Method
AÑO 2011
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Canadá
DIRECTOR David Cronenberg
GUIÓN David Cronenberg (Novela: Christopher Hampton)
MÚSICA Howard Shore
FOTOGRAFÍA Peter Suschitzky
REPARTO Keira Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Vincent Cassel, Sarah Gadon, Katharina Palm, Christian Serritiello, Andrea Magro, Bjorn Geske, Franziska Arndt, Wladimir Matuchin, Clemens Giebel
PRODUCTORA Co-producción Canadá-Reino Unido-Alemania-Suiza; Recorded Picture Company (RPC) / Lago Film / Prospero Pictures / Millbrook Pictures
WEB OFICIAL http://adangerousmethod-themovie.com/
PREMIOS 2011: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
2011: Festival de Toronto: Sección oficial largometrajes a concurso
GÉNERO Drama | Biográfico

No me apetece considerar, de Cronenberg, sus anteriores filmes a Una historia de violencia. Quizás su mejor película hasta el momento y que será difícil superar pese a haber alcanzado un nivel de notable alto-sobresaliente con sus últimos trabajos. En esta ocasión nos trae la historia entre dos psicólogos, Freud (Viggo Mortensen) y Jung (Michael Fassbender), y de cómo fue su relación y la que tuvieron con una paciente en particular, Sabina Spielrein, excelentemente interpretada por una soberbia Keira Knightley, para mí, el mejor personaje y la mejor actriz.

Realmente la historia está más centrada en cómo Gustav Jung, tras una reunión de 17 horas con su admirado compañero de profesión, Freud, comienza a comportarse verdaderamente como él desea, a sabiendas de que aquello le hace daño, pero que por instinto no puede evitar hacer, y no es otra cosa que sucumbir a sus bajas pasiones con la paciente Spielrein (la cual tiene problemas psicológicos debido a unos turbulentos problemas sexuales). Todo ello va hilado con una disputa por la supremacía en el campo de la psicología. Freud no quiere dejar el primer escalón en pos de un duro y joven aspirante. Entonces trata de ponerle todas las trabas del mundo. Quizás lo hace por miedo a perder fama, o quizás porque verdaderamente él hubiera querido sucumbir a sus bajas pasiones, y que, debido a la edad, ya no puede hacerlo, sería patético. Por ello se comporta como se comporta y trata a Jung como lo que para él es, un gran médico, judío (lo cual le marca muchas diferencias con el ario de Freud), joven y adinerado.


Fuera de que Knightley supera con creces cualquiera de sus anteriores interpretaciones, no sabría decir quien de los actores masculinos está mejor, si Fassbender o Mortensen. Quizás me quede con Viggo por hacer un personaje mucho más complicado que el de Michael. Ha tenido que lidiar con la más fea como se suele decir. Apenas tenía que hacer actos, sólo poner caras, decir frases, fumar. Y eso me resulta mucho más complicado que todo aquello que tenía que realizar su antagónico, pues al tener más acción, puede ocultar más un bajón a la hora de actuar, cosa que no muestra.

La música me encantó. La ambientación es fantástica. Aunque los efectos especiales de las escenas en el trasatlántico le fallen un poco. La puesta en escena es magnífica. Siempre me recordó a Polanski en una cosa, y que es la que caracteriza a Roman, que hay tensión desde el minuto primero. Sabes que algo va a pasar. Va a ocurri algo malo y a ver cómo sale el protagonista de esa. Cronenberg para mí se ha convertido en un gran contador de historias. Desde Una historia de violencia no pierde el hilo a sus argumentos. Ya no se va por las ramas como antaño. No desvaría. Es más explícito eso sí, quizás pueda y deba comedirse un poco, pero eso le quitaría personalidad a sus obras. Ya quiero tenerla en DVD y estoy esperando a las siguentes suyas. Quizás me aventure, pero si ninguno de los tres protagonistas, sobre todo Keira, no están nominados a los oscar, me voy a llevar una decepción salvo que después vengan grandes películas de otros genios.


Lo mejor: Keira Knightley

Lo peor: Los efectos especiales

Nota: 8.5

Decepcionan los genios

Normalmente no suelo hacer esto, pero hoy voy a comentar dos películas del tirón. Hacía tiempo que no publicaba nada de cine, por ello, con esta entrada lo retomo. He de decir ya de antemano que los dos autores de los que voy a hablar los tengo bastante afecto, pero no sé qué les ha podido pasar este año, que han coincidido con película, que no me parece que hayan cuajado sus obras. Aunque no han dejado indiferente a nadie, y eso es muy bueno.

El primer amiguete es el siempre conflictivo Lars Von Trier y su Melancolía. En ella nos habla de lo poco, por no decir nada, para lo que sirve el ser humano. Trier ya ha caído en el nihilismo absoluto, no sé qué ápice le puede quedar para tener ganas de vivir. Nada le llena, nada le vale, todo lo acaba destruyendo, para ello usa muy bien la música, ese Tristán+Isolda que embellece en exceso una película que sólo tiene sentido para aquel que no tiene nada por lo que vivir y que tampoco es tan valiente, o cobarde, según se mire, como para suicidarse, y que por tanto debe esperar a que se acabe el mundo.

Poco a poco, Trier va demostrando que sufre de alguna patología. Confesó en las entrevistas de promoción del filme que ha sufrido múltiples depresiones. La pena es que en lugar de tratar de salir de ellas parece, por todas sus películas, que vive en una constante, pues todas, salvo El jefe de todo esto (2006), una exquisita comedia dogma, la cual recomiendo apasionadamente. Bien es cierto que también me encantaron Dogville y Manderlay, pero que volvió a las andadas de lo macabro, que no dogma, con Anticristo.

En Melancolía nos presenta una historia de la vida desde el punto de vista de dos hermanas. Cada una interpretada por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg de forma excelente, pues te llevan al punto del máximo sufrimiento. Cada una desde un punto de vista distinto. Cada personaje lleva al espectador a lo más bajo del sufriemiento, pero ellas son las que se llevan toda la plana.
Toda la historia gira en torno a una boda que desde el principio se ve que va a ir todo a pique y la depresión post boda. Todo ello aderezado con el aliciente de que el mundo se va a acabar -tema tan candente en estos momentos entre la opinión pública.
Muchas escenas y situaciones son copias, y esto me decepcionó un poco, de su aprendiz o amigo Thomas Vintenberg, y de su fantástica Celebración.
No me voy a detener en más. No comparto la visión nihilista que quiere enseñarme Lars, soy todo lo contrario a su filosofía, si no, no podría vivir. No estaría agusto ni conmigo mismo ni con las personas que me rodean. Trier que en la segunda parte de la película habla en numerosas ocasiones de la felicidad, la cual la trata siempre en grupo y no de forma individual, cosa que comparto, no la desarrolla porque no la concibe como real. Y mira que quiere que sus personajes sean felices, pero no puede. ¿Por qué? porque el propio director no lo es y no puede permitirlo a sus monigotes teledirigidos por su batuta.
Lo único bueno que le destaco a la obra es la banda sonora, magistral, si bien no es original, al menos concuerda muy bien con la historia que quiere contar. Las interpretaciones son fanstásticas, soberbias. El manejo de la cámara, la iluminación, la fotografía, el ritmo, son los adecuados. A mí se me hizo un poco pesada, he de admitirlo, pero porque la historia que me contaba no me atrajo, no estaba de humor para encajar severos golpes y agonizaba por momentos. Pero lo que más agradezco a Trier es que me despertó un sentimiento, quizás no el deseado, el de decir qué obra maestra, sino el de querer darle una paliza. No el de, bueno tras esta película ya sólo me queda suicidarme no, yo quería pegarle un par de guantazos a este hombre para que se replantee la vida y para que ojalá regrese al buen dogma como en 2006.

Nota: 4 (voto personal por todo lo que produjo, pero he de admitir que tiene mucha calidad y que quizás, sin inmiscuirme en lo personal debería darla un 7 o un 8)
Lo mejor: K.Dunst, la música y los golpes de humor negro.
Lo peor: Trier.



La siguiente película cambia de país. De la nórdica Dinamarca nos movemos hacia la mediterránea Italia para presenciar lo último de Nanni Moretti, grande por obras como La habitación del hijo, El caimán, o Querido diario, y que en esta ocasión ha tratado de reflejar la sensación de un Papa nada más ser elegido. Lo ha hecho en tono de comedia, la forma con la que más se divierte, se ofende, pero en la que se permite todo.

Moretti ha tratado de dar su visión de cómo se imagina él un cónclave y de cómo lo viven los que lo realizan. Cierto es que Moretti no cree, y buena muestra de ello deja con su personaje. Pero tampoco menosprecia a la Iglesia. No la pone a parir, como se esperaba, sino que la presenta amabable, con sus cosas, claro está, pero no llega a ridiculizarla. Lo que sí le ha salido es un esperpento que bien podría haber ido por otros derroteros mucho mejores.
Cuando todo parecía que iba a tratar de una especie de El discurso del rey, con un Papa y un Psicoanalista de prestigio, la función cambia y se aloca hasta un punto tan alto que pierde toda la gracia que mantiene durante los primeros 40 minutos al espectador. Todo empieza muy bien, con un cónclave. ¿Quién no se ha imaginado cómo sería un cónclave? Por como lo enseña parece una cosa de lo más normal, dentro de la importancia que trae consigo la elección del vicario de Cristo. En el fondo los sentimientos de los allí presentes parecen lógicos, pues la carga que lleva el nuevo cargo consigo es de severísima importancia. Todo esto se trata muy bien, con alguna gracia, que no ofende sino que alivia una situación tensa e importante. Pero la situación se empieza a complicar cuando el ya elegido Papa le da un ataque de pánico y no quiere salir a saludar a los fieles. Se esconde. Por ello aparece el psicoanalista, para ayudarle. El cual introduce el tema del Déficit parental. Debe estar de moda en Italia, o le llamaría la atención al director, pero me recordó a un recurso muy Woody Allenesco el de la patología.
Todo va bien hasta que el Papa acude a otro psicoanalista y vive un periplo por Roma hasta que se vuelve a enfrentar con la realidad.
Mientras tanto, en el Vaticano, conviven encerrados todos los obispos y cardenales más el psicoanalista. Al cual no se le ocurre otra genial idea que debe cambiar un poco los hábitos de los religiosos y hacer que se distiendan de una manera un tanto peculiar, haciendo un "mundial" de volleyball. Las razones por las que se juega no se muestran, pero las razones en pleno juego de porqués que da el personaje de Moretti son muy ateas. Trata de hacer gracia, pero no lo consigue. Salvo que seas un ateo redomado y te hagan gracia esos chistes. Pues lo burdo le acaba comiendo terreno a lo original, como la escena del paso por las habitaciones o en la sala de espera jugando a los juegos de mesa.
Artísticamente, al igual que en la película de Trier, está bien, todos correctos. Ninguna actuación destaca por encima del resto como algo fuera de lo normal. La música es muy normalita salvo el final y el miserere que la cierra con esas palabras tan duras del nuevo Santo Padre y que son sorprendentes. A mí me sorprendió bastante, no las esperaba, pensaba que Moretti tendría un momento sensiblero y la haría acabar bien, pero...

Nota: 4 (la primera parte la apruebo con buena nota, con un 7 por lo menos, pero la segunda la suspendo, un 1 por no darle un 0, la media es un 4 y con esa nota se queda)
Lo mejor: la primera media hora.
Lo peor: el resto salvo el final.

Nuestro Harry el sucio

TÍTULO ORIGINAL No habrá paz para los malvados
AÑO 2011 Ver trailer externo
DURACIÓN 104 min.
PAÍS: España
DIRECTOR Enrique Urbizu
GUIÓN Michel Gaztambide, Enrique Urbizu
MÚSICA Mario de Benito
FOTOGRAFÍA Unax Mendía
REPARTO José Coronado, Rodolfo Sancho, Helena Miquel, Juanjo Artero, Pedro María Sánchez, Nadia Casado, Younes Bachir, Karim El Kerem, Abdel Ali El Aziz, Nasser Saleh, Juan Pablo Schuck, Eduard Farelo
PRODUCTORA Lazonafilms / Telecinco Cinema
GÉNERO Thriller | Drogas. Policíaco

Pasa demasiado tiempo desde que Urbizu hace una película hasta que lanza la siguiente. Esta última quizás sea la que le termine de consagrar. Sin duda es su mejor filme. Un thriller policíaco violento, duro, oscuro, poético... Cuenta con numerosas caras conocidas de la pequeña pantalla, como la mayoría de las películas españolas, pero todos los actores están muy bien. Brilla por encima del resto un sensacional y abrumador, porque he de decir que me asustó por lo turbio que era, José Coronado, probablemente en el mejor papel de su carrera. Huele a Goya, y ahora mismo sería una pena por lo menos que no le nominasen.

Urbizu nos cuenta el día a día de Santos Trinidad (Coronado), un policía de la rama de desaparecidos que busca a una joven desaparecida. Santos es un hombre con un pasado oscuro, familia desestructurada, que se da fácilmente a la bebida para tratar de olvidar sus males. Está harto de su profesión, que no es más que su vida, que parece poco, y quiere acabar con ella lo antes posible. Pero se ve inmerso en un triple asesinato. Uno de los presentes en el lugar de los hechos escapa, y Santos va tras él para elimnarle y así evitar que hable. Mientras que al que persiguie Santos, homicidios también le sigue los pasos a ambos. Lo más curioso de todo es que a medida que avanza la trama, todo lo que parecía un simple ajuste de cuentas por un problema de drogas es algo mucho más serio. Y tanto Santos, como el resto de policías, tratan de dar caza a los terroristas cada uno por su lado y con sus particulares métodos. Uno lo hace por libre, siempre un paso por delante de sus compañeros de cuerpo y los otros siguiendo pistas, atan cabos, así hasta llegar a cada prueba pericial para poder resolver el caso. Un caso que acaba de forma maestra en una rellerta entre los terroristas y el propio Santos. El final no lo desvelaré pero es de lo más poético que se ha podido ver en el cine últimamente. Uno acaba cogiendo cariño por una persona mezquina como el hombre al que interpreta Coronado.

La violencia que muestra Urbizu, se suma a la que enseñó Monzón en su Celda 211, de la que tampoco nadie quedó bien parado. La oscuridad de la trama y de los propios personajes, pues a cada cual guardan muchos más secretos que se notan en la mirada, en la forma de actuar, en sus casas, en sus vestimentas, todo se muestra de forma muy sutil. El director permite así que el espectador pueda entrar en una historia conmovedora, dura, morbosa, con facilidad. Todos quieren enseguida atrapar al malo de la historia y además hacerlo con violencia, al más puro estilo Harry el sucio o Una historia de Violencia.

La poesía se va desarrollando suavemente, sin mucho estruendo musical, apenas hay banda sonora más que para poner tensión a partes de transición. Los silencios entre diálogo y diálogo dicen muchas cosas. Las miradas dan información clave. Y esto hace que la película empatice fácilmente con el espectador.

El magnífico guión, los perfectos personajes. La maravillosa ambientación en unas afueras desconocidísimas de Madrid. Dotan a No habrá paz para los malvados de una magnificiencia, belleza y peso, que hacen de la séptima película de Urbizu un clásico, una obra maestra.

Lo mejor: Jósé Coronado y el final.
Lo peor: La publicidad subliminal y la escena de los toros. No vienen a cuento.
Nota: 10

La culpa la tiene mamá

TÍTULO ORIGINAL La prima cosa bella (The First Beautiful Thing)
AÑO 2010
DURACIÓN 122 min.
PAÍS Italia
DIRECTOR Paolo Virzì
GUIÓN Paolo Virzì, Francesco Bruni , Francesco Piccolo
MÚSICA Carlo Virzì
FOTOGRAFÍA Nicola Pecorini
REPARTO Valerio Mastandrea, Micaela Ramazzotti, Stefania Sandrelli, Claudia Pandolfi, Marco Messeri, Fabrizia Sacchi
PRODUCTORA Motorino Amaranto / Medusa Film / Indiana Production Company
PREMIOS 2010: Premios del Cine Europeo: Nominada al Mejor director
2010: David di Donatello: Mejor actor (Valerio Mastandrea), actriz y guión. 18 nominaciones
GÉNERO Comedia | Comedia dramática

Sexta película de Paolo Virzi que consiguió 3 premios Donatello (los Goya italianos) en las categorías de mejor actor, actriz y guión.

Entre saltos en el tiempo y con mucho tino, Virzi filma La prima cosa bella, una comedia dramática que siempre mantiene al espectador con la sensación de que ha pasado dos horas maravillosas sentado en una butaca viendo cine.

La historia que nos cuenta es la de Anna Nigiotti (Ramazzotti) que en 1971 fue elegida en las fiestas de Livorno como la madre más bella de la ciudad. También nos cuenta cómo ha influido esta mujer en sus hijos, Bruno (Mastrandea) y Anna (Sandrelli), sobre todo sus frivolidades de cara a los hombres. Su marido la echó de casa y ella acarreó a los hijos de casa en casa, de varón en varón, hasta que, una vez ya entrada en la tercera edad, los hijos, ya con vida propia, se vuelven a reunir para pasar los últimos días con su enferma madre. Durante estos días los hermanos se reencuentran, no sólo físicamente sino emocional y fraternalmente. Se recuperan como hermanos. Hablan sus temas y el mal que les ha hecho todo lo vivido durante su infancia y juventud.

La película tiene muchas tramas. La vida de Anna, en todas las etapas que se muestran. Las vidas particulares de los hijos, y la vida en común de todos ellos durante los tres momentos que se destacan, de los cuales sería difícil seleccionar alguno como el mejor de todos ellos puesto que todos son sensacionales. Virzi logra a la sexta su consagración como director. Los tres premios y las 18 nominaciones así lo aseguran. Las interpretaciones son maravillosas, imborrables a la retina y recuerdo del espectador. Mastrandea borda su papel de hombre infeliz, drogodependiente, que necista amor y cuya madre, con sus actos, le llegó a hundir la vida. Sandrelli está guapísima y su papel de hemana pequeña y también falta de amor y de unos valores contrarios a los de su madre hace muestra de sus deficiencias. Pero quien brilla por encima de cualquiera de todos ellos el bellísima Micaela Ramazzotti, mujer en la vida real del director de la película. Recuerda a la mejor Sofía Loren en sus años de juventud. Tiene luz propia.

La música acompaña perfectamente en todo momento al filme. La ambientación es perfecta. Quizás el emplazamiento donde se ha grabado no sean los más bonitos, pero esos lugares que se muestran también son Italia. Con esto y todo lo mencionado solo cabe recalcar que La prima cosa bella es una gran película, un clásico antes de ser considerado como tal. Una deliciosa comedia, realista y fabulista según el personaje y el momento de cada personaje. Es una obra maestra.
Lo mejor: el guión y los actores.
Lo peor: no me gusta Livorno
Nota: 9

Este es el salón, aquí, a veces, come gente

TÍTULO: Principiantes
TÍTULO ORIGINAL Beginners
AÑO 2011
DURACIÓN 105 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Mike Mills
GUIÓN Mike Mills
MÚSICA Roger Neill, Dave Palmer, Brian Reitzell
FOTOGRAFÍA Kasper Tuxen
REPARTO Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent, Goran Visnjic, Bill Oberst Jr., Lou Taylor Pucci, Jodi Long, Kai Lennox, Jessica Elder
PRODUCTORA Focus Features / Olympus Pictures / Parts and Labor
WEB OFICIAL www.beginners.es
GÉNERO Drama. Romance | Familia. Enfermedad. Homosexualidad

Hacia tiempo que una película no mostraba una pareja en el cine tan brillante y compenetrada como la formada por Ewan McGregor y Melanie Laurent.
La película cuenta la historia de un joven cuyo padre, enfermo, antes de morir, le comunica que es gay. El chico, ya de por sí un hombre un tanto frustrado, infeliz, agobiado interiormente, se hace cargo de su padre, le cuida, y al morir, hereda la casa y al perro. Entonces, cuando menos se lo espera, en una fiesta en la que él está un tanto aburrido conoce a una joven con carácter parecido que le pone la vida patas arriba. Se enamoran, y deciden ir poco a poco afianzando la relación.
La película va jugando con saltos en el tiempo, la vida con el padre y la vida que lleva el joven con la chica, y así uno logra entender la personalidad del personaje de McGregor. A lo largo del filme se puede ver como sus padres, un padre prácticamente ausente, y una madre más que rara le crean un caracter austero a un jóven que es bastante necesitado de amor y que curiosamente lo encuentra en una mujer también falta de éste. Por ello, cuando se juntan la pantalla brilla, todo es perfecto. Las conversaciones son más que originales y reales. El perro juega un gran papel que ayuda muchísimo a entender el carácter del protagonista.
El cine independiente se ha superado con esta película donde se retoman las grandes interpretaciones y las grandes historias, no las épicas, sino las cotidianas, las que ayudan a vernos reflejados. Además de que esta película da una gran visión humanista de la vida.
Lo mejor: La presentación de la casa de McGregor al perro.
Lo peor: Goran Visjnic, no le pega mucho el papel.
Nota: 9

En el fondo sí, amigos

TÍTULO ORIGINAL: Amigos...
AÑO 2011
DURACIÓN 90 min.
PAÍS España
DIRECTOR Borja Manso, Marcos Cabotá
GUIÓN Borja Manso, Borja Cobeaga
MÚSICA Sergio de la Puente
FOTOGRAFÍA Mario Montero
REPARTO Ernesto Alterio, Diego Martín, Alberto Lozano, Goya Toledo, Manuela Velasco
PRODUCTORA Dark Light Productions / Telecinco Cinema
PREMIOS 2011: Festival de Málaga: Premio del Público
GÉNERO Comedia | Amistad

Españolada con el sello Cobeaga en el guión, y se nota. Los gags son muy frescos, están al día, son buenos, no son casposos, son naturales, son ácidos.
Los actores levantan una película que en sí tampoco tiene mucho, un grupo de amigos aficionados a las apuestas reciben de parte de uno de sus amigos recién fallecido la última apuesta, a ver cual de ellos obtiene más share en tv, quien gane recibirá 17 millones, su herencia. Aquí arranca Amigos, porque claro está aceptan la apuesta, por eso de que era la última voluntad de su amigo más que por el suculento premio.
Es aquí cuando arranca la excelente y soberbia actuación de Ernesto Alterio, el cual se mueve en la comedia como pez en el agua. Si ya gustó en Días de fútbol ahora con un registro completamente distinto da a su personaje el toque necesario para hacerlo brillante. Sus escenas dentro de Gran Hermano son fabulosas, una verdadera mofa de ese gran programa de telecinco.
Pero algo hay que sacar de la película, y es que pese a que un amigo siempre te ponga a prueba y cree conflicto, si verdaderamente todos son amigos, pese a las diferencias de cada uno, se ayudarán, o no.
Lo mejor: Ernesto Alterio
Lo peor: Cada actor tiene un ritmo distinto
Nota: 6 (divertida, sin más)

Te has sobrado mucho Michael Bay

TÍTULO: Transformers 3: El lado oscuro de la luna
TÍTULO ORIGINAL Transformers: Dark of the Moon (Transformers 3)
AÑO 2011
DURACIÓN 157 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Michael Bay
GUIÓN Ehren Kruger
MÚSICA Steve Jablonsky
FOTOGRAFÍA Amir M. Mokri
REPARTO Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, John Malkovich, Josh Duhamel, Patrick Dempsey, John Turturro, Frances McDormand, Ken Jeong, Peter Cullen, Tyrese Gibson, Kevin Dunn, Alan Tudyk, Lester Speight
PRODUCTORA DreamWorks SKG / Paramount Pictures / Hasbro
WEB OFICIAL http://transformersmovie.com
GÉNERO Ciencia ficción. Acción | Secuela. 3-D. Robots. Extraterrestres

No, no y no. Esto ya es alargar por alargar. ¿Acaso era necesaria?. No hay conexión entre películas. Son todo aventuras nuevas. Y lo peor de todo, con el mismo malo de por medio. Pero así es Transformers, una trilogía cuya primera película gusta, la segunda... bueno y la tercera sobra un poco.
Y mira que Michael Bay es experto en grandes producciones y lleva el sello Spielberg, que se nota sobre todo en el casting y en los efectos especiales.
En cuanto a historia ni siquiera me voy a detener en contarla, un malo transformer llega a la Tierra y quiere acabar con ella y los Transformers buenos junto con sus amigos terrícolas luchan por salvarla, y no me dejo nada.
Las actuaciones, ejem, Dempsey no pega de malo y LaBeouf no pega de bueno. Solo están sensacionales los que habitualmente están bien: Turturro y Malkovich. El resto no se salva. Bueno solo decir que la chica es mejor que Megan Fox, pero vamos, que tampoco aporta mucho más que un poco de belleza al asunto.
Lo mejor: que se acaban, espero
Lo peor: le sobran 20 ó 30 minutos
Nota: 3

Tampoco has cambiado mucho

TÍTULO: Cuando un hombre vuelve a casa
TÍTULO ORIGINAL En mand kommer hjem (When a Man Comes Home)
AÑO 2007
DURACIÓN 92 min.
PAÍS Dinamarca
DIRECTOR Thomas Vinterberg
GUIÓN Thomas Vinterberg, Morten Kaufmann, Mogens Rukov
MÚSICA Johan Söderqvist
FOTOGRAFÍA Anthony Dod Mantle
REPARTO Brigitte Christensen, Morten Grunwald, Ulla Henningsen, Paw Henriksen, Thomas Bo Larsen
PRODUCTORA Coproducción Dinamarca-Suecia
GÉNERO Comedia | Comedia romántica


Ya demostró con su Celebración (1998) que la comedia no se le da nada mal al director danés. Con esta nueva película vuelve al género que prácticamente le dio a conocer hace ya más de doce años.

El director nos cuenta cómo un pueblecito de una ciudad danesa se prepara para la llegada del hijo predilecto, un famoso cantante de ópera que decide reencontrarse con sus orígenes, con lo qu fue. Y se centra en cómo vive la experiencia, Sebastian (Moller Knauer), un joven pinche de cocina que está pasando por una crisis sentimental.

Sebastian acaba de serle infiel a su novia con la nueva ayudante en el hotel, Maria (Mannov Olesen), y está dispuesto a dejar todo lo que ha tenido para irse con Maria, pero María sin embargo en el tiempo que está Hans (Bo Larsen), el tenor, en el hotel tienen un pequeño escarceo amoroso que termina de dejar descolocado a Sebastian. Con estas premisas más la de que Sebastian es como es porque siente la ausencia de un padre que, por lo que le contó en su momento su madre, era un mujeriego, pero sin embargo le dijo que murió atropellado por un tren. Lástima que cuando Hans regresa a la ciudad, la madre de Sebastian le confiesa a su hijo, en plena crisis de pareja con su actual novia Claudia, que su padre está vivo y es Hans.

Con esta trama Vintenberg firma una comedia dramática con un humor muy socarrón, muy negro, que siempre deja al espectador con media sonrisilla en la boca, espectante para la siguiente acción que como es normal no puede ir a mejor salvo que alguno termine por huir, por marcharse. Quizás en esta ocasión Vintenberg peque nuevamente de final feliz, como en todas las comedias y eso le haga, en parte alejarse de lo que él es, un director Dogma. ´

Pese a todo ello, la música, poca, pero necesaria para las transiciones y partes sin diálogo es de notable destacamento y la dirección artística es magistral. Poco se puede decir malo de Thomas Bo Larsen, el cual ya nos fascinó en Celebración y que ahora vuelve, de forma más frívola a deleitarnos con una actuación soberbia.

También los protagonistas Oliver Moller y Ronja Mannov están de sobresaliente, pues ambos muestran perfectamente sus problemas internos y psicológicos y el director además ha sabido reflejar muy bien las situaciones para no dejar que al espectador se le pase nada o se deje algo en el tintero.

Con Cuando un hombre vuelve a casa, Vintenberg parece que vuelve a sus orígenes, a mundos más íntimos y a historias más cotidianas y amables pese a los problemas que siempre pone de por medio el genial director danés. El filme es una película muy notable, casi sobresaliente, muy divertida, de un director que nunca deja a nadie indiferente.

Lo mejor: Los actores, el gúión.
Lo peor: Cine Dogma'95, sólo apto para verdaderos amantes del cine
Nota: 8

Practicamente los mismos chistes

TÍTULO: Resacón 2, ahora en Tailandia
TÍTULO ORIGINAL The Hangover Part II (The Hangover 2)
AÑO 2011
DURACIÓN 102 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Todd Phillips
GUIÓN Scot Armstrong, Craig Mazin, Todd Phillips
MÚSICA Christophe Beck
FOTOGRAFÍA Lawrence Sher
REPARTO Zach Galifianakis, Bradley Cooper, Ed Helms, Justin Bartha, Paul Giamatti, Jamie Chung, Ken Jeong, Todd Phillips, Mike Tyson, William A. Johnson
PRODUCTORA Touchstone Pictures / Green Hat Films / Legendary Pictures
WEB OFICIAL http://HangoverPart2.com
GÉNERO Comedia | Secuela

Todd Phillips quiso repetir la fórmula del éxito y lo consigue. La película es todo un éxito, pero en cuanto a contenido deja mucho que desear. Si bien la primera tuvo su gracia porque era la novedad, ésta ya no la tiene, solo algunos puntiyos. Repetir los chistes no siempre fue una buena idea.

La fórmula es la misma, un fiestón del que no tenemos constancia incial y zas, resacón al día siguiente y con un compañero al que hay que encontrar el día antes de una boda cómo no. El único aliciente nuevo es que se han cambiado Las Vegas por Tailandia y que aparece Galifianakis calvo. El resto es prácticamente igual.

La película divierte, pero a la vez decepciona al que le encantó la primera y tiene un mínimo de cultura cinematográfica y sabe cuando se la están dando con queso, como en esta ocasión. Phillips ha recuperado su nivel como director en detrimento del alcanzado con Resacón en Las Vegas. Ya lo bajó con Salidos de Cuentas (2010) y ahora lo baja aún más a su estatus habitual de director mediocre, de humor facilón (el cacaculopedopis que tanta risa hace al vago). No la doy por buena.

Lo mejor: los primeros 15 minutos
Lo peor: no aguanto al chino
Nota: 4,5

Ya sé lo que quiero

TÍTULO ORIGINAL Todas las canciones hablan de mí
AÑO 2010
DURACIÓN 107 min.
PAÍS España
DIRECTOR Jonás Trueba
GUIÓN Jonás Trueba, Daniel Rodríguez Gascón
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Santiago Racaj
REPARTO Oriol Vila, Bárbara Lennie, Miriam Giovanelli, Ramon Fontserè, Eloy Azorín, Valeria Alonso, Isabelle Stoffel, Bruno Bergonzini, Ángela Cremonte, Maite Blasco, Daniel Castro, Rebeca Sala
PRODUCTORA Castafiore Films / Tornasol Films
WEB OFICIAL http://www.todaslascancioneshablandemi.es/
PREMIOS 2010: 2 Nominaciones al Goya: Mejor dirección novel y actor revelación (Oriol Vila)
GÉNERO Drama. Romance | Comedia dramática

Qué maravilla de opera prima que firma el hijo de Fernando Trueba, Jonás Trueba. A mí las películas de su padre muchas veces me dejan algo frío, me suelo esperar más de él. Sin embargo, su hijo, con una película pequeña, llega y da en el centro de la diana.

Nos cuenta una historia capitulada de cómo un joven trata de rehacer su vida tras haberlo dejado con su novia hace unos meses. Ellos siguen siendo amigos, a veces incluso se enrollan, otras veces el protagonista se enrolla con otras. Así a-priori la película parece la típica película española mala, pero si os digo que el estilo es Woody Allen total, a lo Manhatan, ya la cosa cambia, una música atípica para ser cine español, unos diálogos más que ingeniosos. Con unos golpes cómicos excelentes. Necesarios, pero no excesivos, sino en el justo medio. Sorprendente.

Como todo chico enamorado, quiere recuperar a su gran amor, y mientras lo intenta, comete fallos, hasta que más o menos parece que lo consigue recuperar, y digo más o menos porque la duda la deja ahí, como si nada, y eso es novedoso, inusual.
El protagonista es Ramiro (Oriol Vila), un joven que trabaja con su tío en una libreria, él escribe poemas, un tanto subidos de tono, pero con una métrica y unos recursos excelentes, sin embargo, no se decide a publicar nada hasta última hora, mientras, duda de si cambiar de aires y dejar su Madrid por Canadá con el fin de olvidar a su novia Andrea (Bárbara Lennie) pero la situación sentimental y la presión de los amigos le hacen cambiar de idea. Además, se casa con una amiga argentina para que le den los papeles. Dato que oculta a su ex-novia Andrea en todo momento.

Aún con toda esta complicada trama, Trueba junior ha conseguido huilar con cierto gusto una primera obra de forma magnífica. Los actores están bárbaros, transmiten mucho con necesidad de muy poco. Lá música y el ritmo empleado la dotan de una belleza a la película que recuerda a estar leyendo una poesía del propio Ramiro durante todo el rato.

Lo mejor: el guión
Lo peor: El título (no se muy bien a qué viene, está pillado con pinzas)
Nota: 9

Historias de pueblo

TÍTULO ORIGINAL Obaba
AÑO 2005
DURACIÓN 100 min.
PAÍS España
DIRECTOR Montxo Armendáriz
GUIÓN Montxo Armendáriz (Novela: Bernardo Atxaga)
MÚSICA Xavier Capellas
FOTOGRAFÍA Javier Aguirresarobe
REPARTO Bárbara Lennie, Juan Diego Botto, Pilar López De Ayala, Eduard Fernández, Peter Lohmeyer, Mercedes Sampietro, Héctor Colomé, Pepa López, Txema Blasco, Juan Sanz, Iñake Irastorza, Lluís Homar, Ramón Barea
PRODUCTORA Oria Films S.L. / Pandora Film / Neue Impuls Films
PREMIOS 2005: Goya Mejor sonido. 8 nominaciones
GÉNERO Drama

Coño!, por fin algo muy muy bueno que he visto en Semana Santa. Una película de Montxo Armendáriz, una obra poética, dura, bella, costumbrista, oscura, algo fría, cálida a la vez, tremenda.

Nos cuenta la historia de una joven (Bárbara Lennie) que acude al pueblo de Obaba a realizar un trabajo sociológico de campo para una asignatura de la Universidad. Allí descubre cómo es esa gente, cuales son sus historias, su pasado, su presente, su futuro incluso, sus miedos, alegrías, etc. Y lo más bonito, se involucra tanto, que acaba por preferir volver a Obaba, un pueblo que no tiene a-priori nada, casi ni vida, para vivir porque se lo ha pasado realmente bien realizando su trabajo, que se ha terminado enamorando del lugar, de su gente, por muy rara que sea.

Todo está genial, la puesta en escena, la música, todo. Bárbara Lennie, que es una actriz guapísima, está sensacional. Y Pilar López de Ayala también está fantástica.Una película que sacan adelante dos jóvenes actrices gracias a un gran guión y un gran director.

Lo mejor: Los videos de que graba el personaje de Bárbara
Lo peor: Quizás el ritmo poético la prive de cierto ritmo ágil, y eso puede generar en cierto público pesadez
Nota: 8

No no, con muchos límites

TITULO: Sin límites
TÍTULO ORIGINAL Limitless (Dark Fields)
AÑO 2011
DURACIÓN 105 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Neil Burger
GUIÓN Leslie Dixon
MÚSICA Nico Muhly
FOTOGRAFÍA Jo Willems
REPARTO Bradley Cooper, Abbie Cornish, Robert De Niro, Anna Friel, Andrew Howard, Johnny Whitworth, Robert John Burke
PRODUCTORA Rogue / Relativity Media
WEB OFICIAL http://www.iamrogue.com/limitless
GÉNERO Thriller | Drogas

De nuevo me pasó algo parecido a Código fuente, la película empieza genial, parece muy novedosa, para acabar fracasando y regocijándose en una fórmula que caduca a la hora de película.

Burger nos trata de contar la historia de cómo un mediocre escritor (Bradley Cooper) al que su novia le ha dejado, no le sale nada para escribir, etc; le cambia la vida cuando el hermano de su ex-novia le da una droga que permite utilizar el 100% del cerebro. Entonces se convierte en un sabelotodo que resulta increíblemente atractivo desde todos los puntos de vista.

Todo le sale bien, todo va a pedir de boca. La trama tiene un golpe cuando entra gracias a esta droga a ser un pez gordo de la bolsa de Wall Street y se las ve con Robert De Niro, otro magnate que es el nº1 de las finanzas, porqué? os lo diría, pero revelaría la gracia de la peli. Sólo diré que todo acaba siendo una batalla entre estos dos peces gordos por ser el nº 1.

Lo mejor: la primera hora y el final.
Lo peor: los movimientos rápidos de cámara (¿quién se cree? ¿Danny Boyle? no puede)
Nota: 5,75

Aguilucho rojo

TÍTULO ORIGINAL Águila roja. La película
AÑO 2011
DURACIÓN 122 min.
PAÍS España
DIRECTOR José Ramón Ayerra
GUIÓN Guillermo Cisneros, Juan Manuel Córdoba, Pilar Nadal
MÚSICA Daniel Sánchez de la Hera
FOTOGRAFÍA Adolfo Hernández
REPARTO David Janer, Javier Gutiérrez, Inma Cuesta, Martina Klein, Francis Lorenzo, Pepa Aniorte, Antonio Molero, Xabier Elorriaga, William Miller, Stany Coppet, Roberto Álamo, Mariano Peña, José Ángel Egido, Guillermo Campra, Alex Navarro, Patrick Criado
PRODUCTORA Globo Media S.A. / Televisión Española (TVE) / Versátil Cinema
WEB OFICIAL http://www.aguilarojalapelicula.com/
GÉNERO Aventuras | Histórico. Siglo XVII

Hay que ir bien comido al cine para poder soportar semejante sopor. Mira que la serie me entretiene bastante, pero la película no tiene pies ni cabeza. De qué va, pues de Aguila Roja, un "superhéroe" de capa y espada (ninja en el S.XVII)que vive en la época del último austria español. Va de que salva el mundo.

Pero mal empieza la peli cuando el malo, quien debe matar al águila roja muere a manos del susodicho héroe al minuto 20. Así no se puede seguir hasta las 2 horas, uno dice, vaya mierda que me espera ahora. Y menos mal, que Javier Gutiérrez y Antonio Molero (fiti de Los Serrano de toda la vida) se encargan de amenizar el entremés caducado que nos ofrece el debutante José Ramón Ayerra, con una ristra de chistes y situaciones semicómicas por no decir algo peor que si te pillan de buen agrado se las toleras.

Los actores, bien, normalitos. La trama mal, muy mal. No sigue a la serie, no es puente entre temporadas, así que fatal. La música regular tirando a mal. Vamos que no acierta. Error. La primera en la frente Ayerra. Mala suerte.

Lo mejor: algún chiste de Satur
Lo peor: el resto
Nota: 3.5

Codigo escacharrao

TÍTULO: Código fuente
TÍTULO ORIGINAL Source Code
AÑO 2011
DURACIÓN 93 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Duncan Jones
GUIÓN Billy Ray, Ben Ripley
MÚSICA Chris Bacon
FOTOGRAFÍA Don Burgess
REPARTO Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Russell Peters
PRODUCTORA The Mark Gordon Company / Vendome Pictures / Vendome
WEB OFICIAL http://enterthesourcecode.com
GÉNERO Ciencia ficción. Thriller. Acción. Romance | Viajes en el tiempo. Trenes. Drama romántico

Entretenida a la par que defraudante -perdón por la contradicción- segunda película de Duncan Jones, director que me sorprendió con su ópera prima Moon el año pasado.
En esta ocasión sigue en el campo de la Ciencia Ficción, con una película de viajes en el tiempo. Jacke Gyllenhaal, es el protagonista de la historia, un militar que trabaja para una especie de servicio secreto que se encarga de cazar terroristas. El método empleado son viajes en el tiempo de 8 minutos a la escena del crimen hasta dar con el culpable.

La película comienza muy bien, sorprende, uno dice: anda una de viajes en el tiempo con una trama un tanto curiosa. Bien, pero al tercer o cuarto viaje al mismo lugar de los hechos, la peli ya no hace gracia, ya no cae bien, quizás solo entretenga, pero no me pone, no me ofrece nada más, además, se sabe quien es el malo desde el primer o segundo viaje, y no tiene gracia, pues te acaba agobiando que tarde tanto en darle caza.

Los actores simplemente están correctos, no se les puede pedir mucho más, Jake, Michelle, y Vera hacen lo que pueden por sacar a flote una película que tiene una primera media hora bastante buena pero cuya hora restante acaba incluso agobiando o resultando pesada y lo que es peor, si uno llega entero al final... defrauda.

Lo mejor: la primera media hora
Lo peor: el final
Nota: 5.5

Sé lo que hicistéis AQUEL verano

TÍTULO ORIGINAL Herois (Héroes)
AÑO 2010
DURACIÓN 105 min.
PAÍS España
DIRECTOR Pau Freixas
GUIÓN Albert Espinosa, Pau Freixas
MÚSICA Arnau Bataller
FOTOGRAFÍA Julián Elizalde
REPARTO Álex Brendemühl, Eva Santolaria, Emma Suárez, Lluís Homar, Ferran Rull, Álex Monner, Mireia Vilapuig, Joan Sorribes, Marc Balaguer, Nerea Camacho, Ana Lizarán, Constantino Romero, David Fernández, Montse Pérez, Elsa Anka
PRODUCTORA Media Films / Televisió de Catalunya
PREMIOS 2010: Festival de Málaga: Premio del Público, Vestuario
GÉNERO Drama | Infancia. Adolescencia. Amistad

Estoy teniendo mucha suerte con las películas que veo últimamente. La mayoría me gustan, son más que notables. Pero el otro día, un día de esos tontos que uno tiene por casa, puse en el DVD la película Héroes de Pau Freixas. Me dije mientras la ponía, verás la que me espera!! Pues fíjate que me sorprendió.

Me gustó porque es una película que sirve para recordar porqué nos gusta el cine. Además resalta una serie de valores, como la amistad, que curiosamente, al igual que se menciona en la película, poco a poco, se va perdiendo, y es cierto, casi nadie tiene amigos de la infancia.

La historia la podríamos dividir en los dos periódos que se reflejan. El primero es el viaje de un hombre que acoge a una joven caminante en la carretera. Ellos se conocen, se suenan de algo, pero el hombre, no sabe de qué y la joven juega con él hasta conseguir que, mediante el acercamiento a un lugar importante para ambos, se reconozcan.

Es aquí cuando arranca la segunda historia, la de un grupo de jóvenes de 12 años de edad que viven, tristemente, su último verano juntos en el pueblo donde veranean.
Mediante estos chavales veremos como viven su primer amor, cómo luchan por sus metas con ahínco, sin perecer, sobreponiéndose a todos los imprevistos, aprendiendo de los errores, aprendiendo los unos de los otros, aceptando a los demás por muy diferentes que sean.

Así, entre saltos en el tiempo, avanza esta deliciosa historia que nos llega hasta lo más hondo a todos. Es muy fácil entrar en ella. Trae muchos recuerdos. Y acaba de forma muy sentimental, pero acaba como debe acabar, ensalzando el valor que promueve desde el comienzo, la amistad.

Los actores están sensacionales. Es muy complicado rodar con niños y que salga una película redonda, pero en esta ocasión Freixas y porqué no decirlo, Espinosa, han hecho un gran trabajo. El guión es ágil, ameno, sincero, realista. La película está llena de guiños a películas que a muchos jóvenes han marcado su infancia como son Los Goonies o La historia interminable. La música encaja muy bien, no es nada del otro mundo, pero ayuda a reforzar el total.

Lo mejor: Para mí, en esta ocasión, todo.
Lo peor: muchos la tacharán de ñoña, de Verano Azul 2, pero se equivocarán. No estuvo en los Goya.
Nota: 10

Muchas gracias Josh, más, por favor!!

TÍTULO ORIGINAL HappyThankYouMorePlease (Happy Thank You More Please)
AÑO 2010
DURACIÓN 100 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Josh Radnor
GUIÓN Josh Radnor
MÚSICA JayMay
FOTOGRAFÍA Seamus Tierney
REPARTO Kate Mara, Malin Akerman, Josh Radnor, Dana Barron, Richard Jenkins, Zoe Kazan, Tony Hale, Pablo Schreiber, Fay Wolf, Michael Algieri, Peter Scanavino, Maria Elena Ramirez, Sawyer Novak
PRODUCTORA Myriad Pictures / Paper Street Films / Tom Sawyer Entertainment
WEB OFICIAL http://www.happythankyoumoreplease.com/
PREMIOS 2010: Sundance: Premio del público a la Mejor Película
GÉNERO Comedia. Drama. Romance | Cine independiente USA


Una historia que nos cuenta unas situaciones muy humanas. Una película muy realista.

Si le tuviera que decir a Josh Radnor (Cómo conocí a vuestra madre) algo tras ver su película sería Thank you, more please. Y es que la historia que nos acerca el debutante y joven director, natural de Ohio pero enamorado de Nueva York, es una delicia para los sentidos. Nos cuenta unas historias tan humanas sin caer en la ñoñería ni en el humor absurdo que, como ópera prima sorprende.
Aún me sigue dando mucho que pensar. Es tal el cariz de perfección y empatía con el público que alcanzan las historias que uno se ve reflejado un poquito con cada personaje. Os desvelo solamente el argumento, un joven escritor llamado Sam Wexler (Radnor), una mañana, de camino a la presentación de un libro suyo para que fuese aprobado por una editorial, se encuentra a un niño solo en el metro de Nueva York, Rasheed (Michael Algieri), un negrito que vivía con una familia de acogida que le trataba bastante mal. Sam le ayuda a este chico, hasta tal punto que lo adopta fuera de la ley durante unos pocos días hasta que servicios sociales lleva al joven con una nueva familia de acogida. Durante esos pocos días entablan una gran amistad. Este es el argumento de la primera historia, la cual se entrelaza con la de la relación que entablará Sam con una joven y atractiva camarera y a la vez cantante que se hace llamar Missisipi (Kate Mara) durante tres- aunque no lo parezca- maravillosos días. Junto a estas vidas están la de los amigos de Sam, Annie (Malin Akerman) y Marie Catherine (Zoe Kazan), las cuales pasan por momentos de crisis sentimental, la primera porque siempre elige al hombre equivocado para relacionarse sentimentalmente, la segunda, porque no quiere abandonar la vida que ha estado llevando junto a su novio cuando este le pide mudarse a Los Ángeles.
Como ya les he avanzado unas líneas más arriba, en cada historia uno se ve reflejado. Todos tenemos dentro un poco de Sam, somos ligones- pero muchas veces acabamos mal esa relación por no ser serios del todo- somos también un poco fracasados laboralmente- pues no siempre conseguimos el éxito que buscamos- Sin embargo, somos solidarios con quien nos necesita- en ese sentido somos muy humanos, muy religiosos. Todos hemos tenido alguna vez dudas, como las amigas de Sam, hemos fracaso sentimentalmente por no haber elegido correctamente. Pero sin embargo, hay un personaje en la obra que es clave, y es Sam 2 (Tony Hale) un hombre que ha pasado por todos los procesos sin haber conseguido nunca nada. Pero él es valiente y aún así se lanza a la piscina a conseguir lo que quiere sabiendo de sus defectos pero resaltando sus valores positivos y lo que es mejor, haciendo ver al contrario que se equivoca si no le eligen, pues tiene mucho amor que dar, pero para ello deben dejarle. Todos deben amar y ser amados, y hay que luchar por ello cueste lo que cueste. Porque ¿qué sentido tiene la vida de una persona que no le dejan amar? ¿es una persona más, sin más?

Lo mejor: el guión y los actores.
Lo peor: esperemos que no le pase lo mismo que a Zach Braff, que triunfó con Garden State (una maravillosa película) hace unos años y que no ha vuelto a dirigir nada.
Nota: 9

Mosqueteros del S.XXI

TÍTULO Primos
AÑO 2011
DURACIÓN 97 min.
PAÍS España
DIRECTOR Daniel Sánchez Arévalo
GUIÓN Daniel Sánchez Arévalo
MÚSICA Julio de la Rosa
FOTOGRAFÍA Juan Carlos Gómez
REPARTO Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo, Adrián Lastra, Inma Cuesta, Antonio de la Torre, Clara Lago, Nuria Gago, Alicia Rubio, Marcos Ruiz
PRODUCTORA Atípica Films / Mod Producciones
GÉNERO Comedia. Romance | Amistad
No recomendada a menores de 7 años
ESTRENO: 4/02/2011

Daniel Sánchez Arévalo (Azuloscurocasinegro, Gordos) vuelve con su tercer film con el que nos demuestra que se pueden hacer buenas comedias sin faltar el respeto al espectador y sin caer en chistes fáciles. Esta nueva película del director madrileño es una comedia que nos habla de la amistad, de que el primer amor nunca se olvida, de superaciones y de que siempre hay que luchar por lo que uno quiere. Esta historia, curiosamente arrancó con el cortometraje, (uno de los)primos, filmado y escrito por el propio Daniel, el cual solo trataba la primera escena y que ahora ha sido ampliado a esta divertida historia.
Quim Gutiérrez (Una hora más en Canarias, Azuloscurocasinegro) da vida a Diego, un chico joven que acaba de ser abandonado por su novia Yolanda (Nuria Gago). Es inseguro, impulsivo y junto con sus dos primos tras beber para olvidar, deciden ir al pueblo en el que veraneaban, Comillas (Cantabria), con el fin de reencontrar al primer amor, Martina (Inma Cuesta) y a los amigos que hacía tiempo que no veían. Allí en Comillas, durante solamente un fin de semana, a estos tres primos les cambia la vida. Cada uno supera sus problemas apoyándose los unos a los otros. Estos primos son: Julián (Raúl Arévalo), alias “sardinuca”, un tipo guapete con apariencia de chulo y un tanto geta que está solo en la vida y lo que quiere es encontrar a alguien que le quiera simplemente para no vivir de esa forma tan triste. Y José Miguel (Adrián Lastra), un ex militar que perdió un ojo en Afganistan y que ahora sufre de hipocondría a causa de las secuelas que le dejó el ejército, agraviadas por la inseguridad que le da su novia, , Toña (Alicia Rubio), una médica muy segura de sí misma que sin darse cuenta, no deja vivir al pobre José Miguel.
Como ya demostró otrora el siempre original y sorprendente director madrileño, sus historias siempre nos dicen algo, y la puesta en escena es sensacional, siempre acompañada por una más que notable banda sonora y unas localizaciones no menos destacables. Quim Gutiérrez está soberbio en un papel complicado, pues sufre muchos altibajos a lo largo de la historia. Es más que probable que por el momento sea esta su mejor actuación. Con este papel se consagra como actor, sobre todo de comedias inteligentes. Ha sabido manejar con elegante y fina destreza el paso del drama a la comedia con simples gestos y comentarios. Cuenta el director en las entrevistas concedidas, que Quim es sorprendente, “siempre que debía llorar, lo hacía en el momento exacto, con la misma cara, con el mismo gesto”. Pero sus compañeros de reparto, sus primos, no se quedan cortos ni mucho menos. Raúl Arévalo (Gordos, También la lluvia) borda a ese hombre solitario con pinta de chulo que necesita amar y ser amado. Necesita recibir amor y se da cuenta al ver al Bachi, el personaje de Antonio de la Torre, que también necesita darlo para sentirse a gusto consigo mismo y a sabiendas de que está haciendo un bien a un antiguo amigo que tiene un grave problema. Bachi, es el ex propietario del videoclub del pueblo. Siempre que habla hace referencias en sus comentarios a grandes películas. Sin embargo, la vida de Bachi cambió cuando su hija, Clara (Clara Lago) se metió a trabajar en el club del pueblo como señorita de alterne. A Bachi eso siempre le trajo por el camino de los mil demonios y es por ello que anda por Comillas dando tumbos abrazado a la tristeza, abrazado a una botella. Por ello, Julián decide ayudar a Bachi. Quiere que él y su hija recuperen su relación de padre e hija. Para ello se gana la confianza de ambos. Del primero simplemente con ayudarle a mantenerse lo mejor posible es suficiente. Sin embargo, de la hija se enamora. Y no cesará en su afán conquistador hasta que consiga que ella deje su trabajo por él y recupere su relación con su padre.
El tercero en discordia es Adrián Lastra. Debuta en el cine con un papel más que difícil, pues era fácil caer en el estereotipo de hipocondriaco y lo ha salvado con una nota más que alta. Es el personaje que más evoluciona, pues es capaz de superar su problema de forma completa y de darse cuenta de quien le está perjudicando. La relación que mantiene con el hijo de Martina (Inma Cuesta), Dani, es de una amistad en la que se muestra la evolución de la primera, una amistad de conveniencia, a una segunda más profunda e íntima Estos tres actores se reparten el peso de la película y, por momentos, se roban protagonismo de forma muy sana, tan sana que permite al espectador empatizar con este peculiar trío, que recuerda a los tres mosqueteros, desde el primer momento. Siempre unidos, pase lo que pase. Ese sentimiento fraternal y de preocupación entre amigos y familiares siempre está presente en todo momento. Pero no sólo el trío protagonista está muy bien. Los secundarios, Inma Cuesta (Águila Roja), el grandísimo y siempre sorprendente Antonio de la Torre (Gordos, Balada triste de trompeta) o Clara Lago (El mal ajeno, El juego del ahorcado) entre otros, también redondean, con sus realistas papeles, esta comedia tierna, fresca, llena de luz, pues nada ha sido rodada en interiores y que siempre mantiene al espectador con la sonrisa en la cara desde el minuto uno hasta el último. Quizás los actores de reparto que más sorprenden son Inma Cuesta y Clara Lago. Inma porque es su segunda incursión en el cine. Pronto la veremos con David Janer en la adaptación a la gran pantalla de la serie de Televisión Española Águila Roja. Está sensacional. Muestra una naturalidad insólita. No es típico ver tanta facilidad para representar a un personaje complicado como Martina, madre de un hijo y soltera, esperando a que vuelva su amor y, ella lo consigue. Respecto a Clara Lago, poco se puede decir. Una vez más hay que ovacionarla y admitir que la joven Carol se ha hecho mayor y se ha asentado en el mundo del cine y también en la televisión con alguna incursión. En esta película, Sánchez Arévalo ha sabido sacarle el punto cómico e irónico que la convierte en una gran comedianta. Y nos va a dejar una de las mejores escenas del cine español en cuanto a comedia se refiere, la escena con Raúl Arévalo en una habitación del club, charlando, fingiendo que son una pareja normal y corriente. Él, un vendedor y ella, una prostituta.
Primos es una película que gusta porque se ha notado, se ha captado que todos, actores, director y demás equipo, se lo han pasado muy bien durante el rodaje. Daba la sensación que habían ido a Comillas más que por trabajo por placer. Como si de unas vacaciones pagadas se tratase. Gracias a ello el espectador puede empatizar enseguida con los personajes. En el fondo todos nos hemos sentido alguna vez tan indecisos como Diego, tan solos y faltos de amor, con mucho amor que dar por otro lado, como Julián, o tan inseguros de uno mismo como José Miguel por hechos sucedidos en el pasado. También gusta porque los valores que transmite son fáciles de asimilar. La importancia de la amistad, del amor hacia los demás, de la caridad, la importancia de la personalidad en las personas y la seguridad que uno gana con ella o pierde en su defecto. Estos datos son esenciales para que una película tenga tirón respecto a la taquilla y también para que sea recordada y no pase como una más camino al olvido.
Lo mejor: El guión y las actuaciones de todo el reparto.
Lo peor: Es un poco sentimentalista en algunos aspectos.
Nota: 8

Opera prima, obra maestra

TÍTULO ORIGINAL AzulOscuroCasiNegro
AÑO 2006
DURACIÓN 105 min.
PAÍS España
DIRECTOR Daniel Sánchez Arévalo
GUIÓN Daniel Sánchez Arévalo
MÚSICA Pascal Gaigne
FOTOGRAFÍA Juan Carlos Gómez
REPARTO Quim Gutiérrez, Marta Etura, Raúl Arévalo, Antonio de la Torre, Eva Pallarés, Héctor Colomé, Roberto Enríquez, Manuel Morón, Ana Wagener, Natalia Mateo, Alba Gárate
PRODUCTORA Tesela P.C.
WEB OFICIAL http://www.azuloscurocasinegro.com/
PREMIOS 2006: 3 Premios Goya: mejor director novel, actor de reparto y actor revelación. 6 nomin.
2006: Festival de Málaga: Premio Especial del Jurado, Premio de la Crítica, mejor guión
GÉNERO Drama. Romance

Si algún director español debutase así en el cine me rendiría a sus pies casi de por vida. Y si encima lo secunda con Gordos y Primos ya es el acabose. Daniel Sánchez Arévalo se convierte con estas tres películas en un gran director, en un gran contador de historias. Historias que, además, conmueven.

AzulOscuroCasiNegro es un estado de ánimo, inspira aires de un futuro incierto, un color que, según el prisma con que se mire, cambia. Jorge (Quim Gutiérrez)se ha hecho cargo del trabajo de su padre después de que éste sufriera un infarto cerebral.Además, lucha por cambiar su estrella. Durante los últimos años se ha esforzado por hacer su trabajo, cuidar a su padre y estudiar una carrera. Ahora su empeño es encontrar otro trabajo, quiere dejar de ser portero en una comunidad de vecinos. Jorge tiene un hermano, Antonio (Antonio de la Torre), el cual sale de la carcel con la condicional. Allí había conocido este a Paula (Marta Etura) una joven reclusa que para evitar palizas quiere quedarse preñada. Convence a Antonio para que lo intente, pero este al no poder, se lo pide a su hermano Jorge, el cual sin saber aún muy bien porqué acude a los bis a bis en la cárcel. Allí mantienen relaciones y poco a poco se van conociendo y, enamorando. Hasta llegado el punto que Jorge opta por elegir a Paula como acompañante de su vida.

La película ya de por sí, leyendo esta sinopsis, parece interesante. Pero si además añadimos que la secunda de forma magistral Raúl Arévalo en un papel fantástico con un cambio y una aceptación increíbles, deja sin sentido al espectador, embelesado con lo que le muestra la pantalla. Pero es que no sólo hay buenos actores, hay buena historia, hay buenísima puesta en escena, con una visión de la realiadad bastante cercana, nada prismática ni mostrada desde una segunda o tercera fila.

Cuando uno termina de ver la película dice, ¿y este tipo tiene alguna película más? y cuando se da cuenta de que sí, enseguida devorará las dos siguientes que son igual de buenas, pero en las que predomina mucho más el humor, pues en su primer largo lo tiene usado casi como recurso para no caer en el exceso dramático, cosa que se agradece muchísimo para no generar en el espectador un estado incómodo de una situación que no gusta que sea vivida.

Lo mejor: el reparto
Lo peor: no termino de ver a Roberto Enríquez como actor de cine
Nota: 8.5

Papá se viste de mamá

TÍTULO ORIGINAL Todo lo que tú quieras
AÑO 2010
DURACIÓN 101 min.
PAÍS España
DIRECTOR Achero Mañas
GUIÓN Achero Mañas
MÚSICA Leiva
FOTOGRAFÍA David Omedes
REPARTO Juan Diego Botto, Lucía Fernández, José Luis Gómez, Najwa Nimri, Ana Risueño, Pedro Alonso, Ana Wagener, Alberto Jiménez, Paloma Lorena
PRODUCTORA Bellatrix Films S.L
WEB OFICIAL http://www.todoloquetuquieraslapelicula.com/
GÉNERO Drama | Familia

Con esta película ya son tres los títulos que tiene bajo su haber el realizador Achero Mañas (Noviembre, El bola). Esta vez nos acerca la historia de una familia, la familia Velasco. Esta familia la forman Leo (Juan Diego Botto), Alicia (Ana Risueño) y su hija pequeña Dafne (Lucía Fernández). Alicia es quien normalmente cuida de Dafne, mientras que Leo siempre está trabajando. Sin embargo, durante las vacaciones de Navidad Alicia muere de forma ineseperada de un ataque epiléptico. Deja así solos a Leo y Dafne. La joven niña está muy afectada y, Leo, apenas tiene idea alguna de cómo cuidar de un pequeño. Leo es homófobo, pero su hija lo es todo para el, y dará lo que haga falta por verla feliz, hasta llegar al punto de perder su identidad y travestirse de mujer para que su hija no sufra la pérdida de su madre.

Que Achero se mueve como pez en el agua en temas duros, en dramas sociales, está claro, sin embargo en esta historia quizás peca de exceso de melancolía. Quizás demasiado ritmo muy pausado o lento, mucho silencio y mucha lágrima. El tema que trata es muy interesante, están bien hilados los argumentos, pero no tanto desarrollados. Todo parece a-priori que está bien, pero luego, uno se da cuenta de que a la película le falta algo.

Quizás haya fallado la puesta en escena - es posible, pero no lo creo. Puede que sean los actores -cosa que me da que tampoco. Luego solo nos queda el guión. Las situaciones son tan límites en algunos casos que se acaba estereotipando la situación y por ello que quizás peque de exceso melancólico.

Lo mejor: Juan Diego Botto
Lo peor: exceso melancolía
Nota: 5,5

Yo te quiero, y yo también

TITULO: Sin compromiso
TÍTULO ORIGINAL No Strings Attached
AÑO 2011
DURACIÓN 108 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Ivan Reitman
GUIÓN Elizabeth Meriwether (Historia: Elizabeth Meriwether & Michael Samonek)
MÚSICA John Debney
FOTOGRAFÍA Rogier Stoffers
REPARTO Natalie Portman, Ashton Kutcher, Cary Elwes, Kevin Kline, Greta Gerwig, Lake Bell, Olivia Thirlby, Ludacris, Jake M. Johnson, Mindy Kaling, Talia Balsam, Gary David Goldberg
PRODUCTORA Paramount Pictures / Cold Spring Pictures / Handsomecharlie Films / Katalyst Films
WEB OFICIAL http://www.nostringsattachedmovie.com/
GÉNERO Romance. Comedia | Comedia romántica. Amistad

Nueva película de Ivan Reitman (Cazafantasmas 1 y 2), padre de Jason Reitman (director de las excelentes Gracias por fumar, Juno y Up in the air) regresa a la dirección en una comedia romántica protagonizada por Ashton Kutcher (Algo pasa en Las Vegas) y la reciente oscarizada Natalie Portman (Cisne negro).

La historia nos muestra cómo dos amigos, Emma y Adam, tienen una relación que no va más allá del sexo. Son amigos con derecho a roce como se dice ahora. Pero los problemas surgen cuando uno de los dos piensa en sentar la cabeza y madurar de una vez por todas y buscar una relación seria.

Desde esta simple historia, pero con un guión muy divertido, Reitman nos muestra una historia muy actual. Los famosos ´follamigos´. Claro, pero ¿qué pasa cuando se busca algo más serio en una sociedad como la actual? que da miedo comprometerse. Hay miedo a no saber responder ante esas situaciones. Si les dijera que quien busca algo serio es la chica, no lo verían nada raro, pero si les digo que en esta película quien sienta la cabeza es Ashton Kutcher tiene su gracia. Si a esto le añadimos que se debe entre otras cosas a que su personaje no quiere ser como su padre, interpretado sensacionalmente por Kevin Kline (El club de los emperadores), un actor ya demasiado madurito con complejo de Peter Pan y que solo busca relaciones con muchachas jóvenes y, a ser posible, ex novias de su hijo, uno puede llegar a comprender cómo Kutcher ha llegado a poder sentar la cabeza, por vergüenza respecto a su padre.

Como todas las películas romanticas típicas, tiene final feliz, pero no resulta por ello una mala película que su final sea previsible, pues la puesta en escena es tan buena, la banda sonora adecuada y las interpretaciones son más que decentes -sobre todo Kevin Kline y Natalie Portman- Todo ello hace en conjunto una película muy entretenida para pasar una buena tarde de cine entre cocacola y palomitas con amiga, amigos, familia, al lado.

Lo mejor: Kevin Kline
Lo peor: Esta película es un parón en la progresión de Portman hacia la excelencia.
Nota: el entretenimiento siempre lo puntúo alto, un 6.5